La caja de Pandora

Entrevista en Gestiona Radio sobre la Exposición de Miró en la Tate Modern de Londres.

2011-05-14T13:34:00.002+01:00

Hasta el 11 de Septiembre podemos disfrutar de la gran retrospectiva sobre Miró en la Tate Modern de Londres.

Gestiona Radio, con una programación centrada en la economía, cuenta con un espacio semanal dedicado al arte; sobre todo a subastas y venta. Se trata de "Edición limitada" y cuentan semanalmente con la participación de Daniel Díaz, director de Invertir en Arte, y en esta ocasión, con la mía también.

Se trata de una exposición muy amplia con un recorrido histórico que delata el carácter emblemático y crítico de Miró. Todos conocemos el estilo colorista del artista, pero en esta ocasión, tenemos la oportunidad de comprobar que no solamente se trata de colores y formas. No es un capricho momentáneo. El trabajo de Miró va acorde con un contexto histórico e intelectual muy concreto y Marko Daniel así nos lo muestra.

Dejo el enlace para escuchar la entrevista. Empieza en el minuto 40.

Miró - Tate Modern - Edición limitada

Las frases de "Últimas notas de Thomas F. para la humanidad", de Kjell Askildsen.

2011-05-08T13:45:00.002+01:00

- Cada hora que pasa el mundo se libra de miles de tontos. Piénsalo. ¿Te has parado alguna vez a pensar en la cantidad de estupidez almacenada que desaparece en el transcurso de un día?

- Habría sido estúpido perder la vida de pura alegría, cuando me había aguantado sin ella durante tanto tiempo.

- Me senté en una mesa en medio del local, a mi alrededor había mucha gente tomando canapés y bollos, pero casi todas las mesas estaban ocupadas por una sola persona. Daba una gran impresión de soledad, y como llevaba mucho tiempo sin hablar con nadie, no me hubiera importado intercambiar unas cuantas palabras con alguien. Estuve meditando un buen rato sobre cómo hacerlo, pero cuanto más estudiaba las caras a mi alrededor, más difícil me parecía, era como si nadie tuviera mirada, desde luego el mundo se ha vuelto muy deprimente.

- Si uno dejara de albergar esperanzas, se ahorraría un montón de decepciones.

- Hay demasiadas palabras en circulación por el mundo, y el que habla mucho no puede mantener lo dicho.

- Hablaba siempre mal de la vida, pero nunca he conocido a nadie que se esforzara tanto por conservarla.

- La gente que cree en la vida eterna no es racional y nunca se sabe lo que pueden llegar a hacer.

- Debía de ser un capitalista muy pobre.

- Era un espectáculo indignante. La locura religiosa es indignante.

- Ay, fue un día muy negro para la sensatez.

- El mundo está lleno de insensatez y confusión, la falta de libertad tiene profundas raíces, la esperanza de igualdad está disminuyendo, la fuerza superior es demasiado grande, eso parece. Tenemos que estar contentos con lo bien que vivimos, dice la gente, la mayoría vive peor. Y luego toman pastillas contra el insomnio. O contra la depresión, o contra la vida. ¿Cuándo llegará una nueva estirpe que entienda el significado de la palabra igualdad, una estirpe de jardineros o ingenieros forestales que talen los grandes árboles que dan sombra a todos los pequeños y que quiten los brotes bordes del árbol de la ciencia?

- Desgraciadamente, las leyes son conservadoras, de modo que los médicos alargan los dolores de un ser humano, incluso cuando saben que no hay esperanza. Eso se llama ética médica. Pero nadie se ríe. Las personas que tienen dolores, no suelen reírse.

- Desde entonces he tenido más mareos. Pero he colocado las sillas en lugares estratégicos. La habitación parece muy desordenada así. Da la impresión de que no vive nadie. Pero yo aún vivo aquí. Vivo y espero.

- Soy un hombre parco en palabras, pero, no obstante, de vez en cuando hablo conmigo mismo.

- Ya había empezado a perder la esperanza, era un sentimiento poco usual el de tener esperanza que perder.

- Yo tenía una hermana que creía en la vida eterna. ¿No le parece el colmo de la vanidad?

Gracias Kjell Askildsen.
Y gracias Thomas Sundal por regalarme este libro.

Frieze 2010, Herald St gallery

2011-02-26T10:57:00.001Z

Frieze 2010, Lisson Gallery. London

2011-02-13T12:06:00.001Z

Frieze 2010. Galleri Nicolai Wallner. Copenhagen

2011-01-29T07:33:00.001Z

Frieze 2010. Galerie Daniel Buchholz, Cologne & Berlín y Matthew Marks Gallery, New York

2011-01-18T21:47:00.002Z

Frieze 2010, BQ Gallery. Berlín.

2011-01-07T00:46:00.002Z

Frieze 2010. Marianne Boesky Gallery. New York.

2011-01-01T20:45:00.000Z

Frieze 2010. Casey Kaplan Gallery. New York.

2010-12-25T22:45:00.000Z

Frieze 2010, Tomio Koyama Gallery, Tokio y Zeno X Gallery, Antwerp

2010-12-21T19:45:00.000Z

Frieze 2010, Frith Street Gallery. London

2010-12-13T00:51:00.002Z

Las frases de "El evangelio según Jesucristo" de José Saramago

2010-11-29T05:06:00.002Z

- El hijo de José y María nació como todos los hijos de los hombres, sucio de la sangre de su madre, viscoso de sus mucosidades y sufriendo en silencio. Lloró porque lo hicieron llorar y llorará siempre por ese solo y único motivo.

- Esclavos, soldados, guardias reales, plañideras, tocadores de pífano, gobernadores, príncipes, futuros reyes, y todos nosotros, dondequiera que estemos y quienquiera que seamos, no hacemos más en la vida que ir buscando el lugar donde quedarnos para siempre.

- No es querer decir amor y que la lengua no llegue, es tener lengua y no llegar al amor.

- Es ley de la vida, el olvido.

- La cuestión es que las mujeres aprendieron con la dura experiencia a tragarse las lágrimas, por eso decimos, tan pronto lloran como ríen, y no es verdad, en general, están llorando por dentro.

- Chua, entonces, ya no lloraba, pero sus ojos jamás volverán a estar secos, que ése es el llanto que no tiene remedio, aquel fuego continuo que quema las lágrimas antes de que ellas puedan brotar y rodar por las mejillas.

- No es preciso tener culpa para ser culpable.

- La ausencia es también una muerte, la única e importante diferencia es la esperanza.

- No basta una golondrina para hacer primavera.

- Tiene una herida en el alma y, no permitiéndole su naturaleza esperar que la sane el simple hábito de vivir con ella, hasta llegar a cerrarse esa cicatriz benévola que es no pensar, se fue a buscar por el mundo, quién sabe si para multiplicar sus heridas y hacer con todas ellas juntas un único y definitivo dolor.

- Los gestos no totalmente sinceros llegan siempre con retraso.

- Tras el tiempo, tiempo viene.

- Ninguna salvación es suficiente; cualquier condena es definitiva.

- Y en ese instante supo lo que en verdad querían decir aquellas palabras del rey Salomón, las curvas de tus caderas son como joyas, tu ombligo es una copa redondeada llena de vino perfumado, tu vientre es un monte de trigo cercado de lirios, tus dos senos son como dos hijos gemelos de una gacela, pero lo supo aún mejor, y definitivamente, cuando María se acostó a su lado y tomándole las manos, acercándoselas, las pasó lentamente por todo su cuerpo, cabellos y rostro, el cuello, los hombros, los senos, que dulcemente comprimió, el vientre, el ombligo, el pubis, donde se demoró enredando y desenredando los dedos, la redondez de los muslos suaves, y mientras eso hacía, iba diciendo en voz baja, casi en un susurro, Aprende, aprende mi cuerpo.

- Háblame de tu vida, pero ahora no, ahora sólo quiero que tu mano izquierda descanse sobre mi cabeza y tu derecha me abrace.

- Un árbol gime si lo cortan, un perro gruñe si lo golpean, un hombre se crece si lo ofenden.

- Darás a quien precise, no pedirás a quien no tenga. (María de Magdala)

- ¿Y cuál es el papel que me has destinado en tu plan? El de mártir, hijo mío, el de víctima, que es lo que mejor hay para difundir una creencia y enfervorizar una fe.

- El hombre es una moneda, le das la vuelta y ves el pecado.

- Entonces el Diablo dijo, Es necesario ser Dios para que le guste tanto la sangre.

- Nadie en la vida tuvo tantos pecados que merezca morir dos veces. (María de Magdala)

- Ni yo puedo hacerte todas las preguntas ni tú puedes darme todas las respuestas.

Gracias Saramago.

Descubrimientos que alegran la vida. Dente: Buon appetito.

2010-11-12T12:17:00.000Z

Sapessi che felicità mi dà
l'idea di non vederti più
l'idea di non fidarmi più
qualsiasi cosa mi dirai

Sapessi che felicità mi dà
l'idea di non toccarti più
l'idea di non seguirti più
in tutto ciò che fai

Ho messo le mani in tasca
e ho sputato sulla tavola:
buon appetito, amore mio.

Sapessi che felicità mi dà
l'idea di non sapere più
quando cammini dove vai
quando dormi con chi lo fai

Di tutte le lacrime che hai
quante ne piangerai
quantificando il
male che mi fai
ho visto che non finisce mai

Quindi ho messo le mani in tasca
e ho sputato sulla tavola:
buon appetito, amore mio.

Quando fai la spesa cosa comperi
di che colore hai colorato i mobili
vorrei non sapere più nemmeno dove abiti.

FRIEZE ART FAIR, la feria de arte contemporáneo londinense.

2010-10-19T23:07:00.016+01:00

Frieze es una revista británica, creada en el año 1991, que se centra en el mundo del arte contemporáneo y la cultura. Son ocho números anuales a todo color que nos muestran las tendencias más innovadoras del arte actual.

Frieze también es una fundación nacida en 2003, legislada por la comisión europea de cultura. Lleva programas de educación, charlas, ferias y promoción de artistas.

Sobre todo, Frieze es una feria de arte contemporáneo afincada en Londres que en pocos años se ha convertido en un referente mundial. La fundación, del mismo nombre, es la encargada del programa curatorial de la feria, que incluye charlas, proyecciones de filmes, performances y por supuesto la selección anual de las galerías participantes.

Se celebra anualmente en el ideal Regent's Park, que a parte de estar en el centro de la ciudad, es un lugar idílico, cuidadosamente ajardinado y preparado para pasar unas horas agradables. Amanda Sharp, una de las creadoras de la feria, se refiere a este lugar como "un entorno muy energético" y es algo con lo que ha estado de acuerdo todo el equipo, que cuenta con arquitectos y diseñadores, todos amantes del arte.

La primera edición fue en el 2003 y sus creadores, Amanda Sharp y Matthew Slotover, tenían claro que pretendían una feria distinta a las demás, dedicada únicamente a artistas, galerías y coleccionistas del más relevante arte contemporáneo internacional. Tomaron ejemplo de sus predecesoras más notables: Art Basel, Basel Miami y la neoyorquina Armory.

La idea de los dos era crear un entorno dinámico, divertido y educativo, a la par que serio en cuanto a la calidad y caché de galerías y artistas. Así pues, el resultado ha sido más que satisfactorio. Frieze Art Fair se ha convertido en poco tiempo en un referente en cuanto a calidad y un lugar ideal para aprender y divertirse. Se trata de un gran festival donde tienen cabida obras de grandes dimensiones, performances en lugares y tiempos inesperados, personajes pintorescos recorriendo los pasillos y animando a los visitantes, proyecciones de filmes diversos en distintas salas y por supuesto, cerca de 200 stands donde notorias galerías de arte actual muestran la obra de artistas innovadores con ideas frescas.

Amanda y Matthew afirman en una entrevista en la revista Voyager que cuando eligen las galerías participantes, estudian meticulosamente los artistas que llevan. Saben que esos artistas en un futuro expondrán en el Moma, en la Tate o en otro gran museo de arte contemporáneo.

Fuentes on line:

- http://www.exporevue.com/fr/index.html

- http://www.bmivoyager.com/

- http://www.frieze.com/

Federico García Lorca y Leonard Cohen. Fusiones perfectas.

2010-09-27T21:04:00.012+01:00

Pequeño Vals Vienés

En Viena hay diez muchachas,

un hombro donde solloza la muerte

y un bosque de palomas disecadas.

Hay un fragmento de la mañana

en el museo de la escarcha.

Hay un salón con mil ventanas.

¡Ay, ay, ay, ay!

Toma este vals con la boca cerrada.

Este vals, este vals, este vals, este vals,

de sí, de muerte y de coñac

que moja su cola en el mar.

Te quiero, te quiero, te quiero,

con la butaca y el libro muerto,

por el melancólico pasillo,

en el oscuro desván del lirio,

en nuestra cama de la luna

y en la danza que sueña la tortuga.

¡Ay, ay, ay, ay!

Toma este vals de quebrada cintura.

En Viena hay cuatro espejos

donde juegan tu boca y los ecos.

Hay una muerte para piano

que pinta de azul a los muchachos.

Hay mendigos por los tejados,

hay frescas guirnaldas de llanto.

¡Ay, ay, ay, ay!

Toma este vals que se muere en mis brazos.

Porque te quiero, te quiero, amor mío,

en el desván donde juegan los niños,

soñando viejas luces de Hungría

por los rumores de la tarde tibia,

viendo ovejas y lirios de nieve

por el silencio oscuro de tu frente.

¡Ay, ay, ay, ay!

Toma este vals, este vals del "Te quiero siempre".

En Viena bailaré contigo

con un disfraz que tenga

cabeza de río.

¡Mira qué orillas tengo de jacintos!

Dejaré mi boca entre tus piernas,

mi alma en fotografías y azucenas,

y en las ondas oscuras de tu andar

quiero, amor mío, amor mío, dejar,

violín y sepulcro, las cintas del vals.

Federico García Lorca

Jean Tinguely. Méta-mécanique ( Meta-Herbin)

2010-01-12T12:05:00.004Z

AUTOR: Jean Tinguely

TÍTULO: Méta-mécanique ( Meta-Herbin)

TÉCNICA: Escultura con metal pintado y motor eléctrico.

DIMENSIONES: 174.0 h x 81.7 w x 108.7 d cm

FECHA: 1954

LOCALIZACIÓN: Galería Nacional de Australia

COMENTARIO RAZONADO DE LA OBRA:

Un trípode sustenta una estructura vertical conformada por ruedas dentadas y formas geométricas metálicas de colores.

La primera impresión al ver esta obra fue pensar en Calder; por los colores y por el aspecto de máquina, que recuerda a los móviles de este artista. Madurando la idea, viendo el trípode, el cable y la alusión clara a los ready-made de Duchamp me decanté por investigar la obra de Tinguely; artista muy ligado al arte en movimiento, a la mecánica y a lo absurdo.

Tinguely nació y se crió en Suiza pero su vida artística transcurrió en París vinculada al neo-realismo, del que firmó el manfiesto, y a los artistas del neo-dadá.
Era un ferviente admirador de Duchamp y de él heredó el gusto por lo absurdo y casual haciendo una reintrerpetación de los ready-mades. Lo vemos en su afán por crear aparatos que tienen valor escultórico-artístico, que se mueven de forma mecánica o con motor, que incluso realizan su propia autodestrucción, pero que no tienen ninguna utilidad.

Por lo que más se conoce a este artista es por este tipo de obras mecánicas; estas máquinas-esculturas que aúnan el arte cinético con el dadá. Esta meta-escultura saca su nombre del historiador de arte Pontus Hulten, amigo extrecho del artista. En la primera exposición escudriñaron varios nombres, como autómatas, esculturas mecánicas, móviles… pero ninguna les convencía. Finalmente y después de consultar varias fuentes se decantó por meta-escultura por la vinculación a la metafísica.

Se trata de una obra de la serie Meta-Herbing, basada en la obra del pintor Auguste Herbing. Lo vemos claramente por las formas triangulares y circulares y los colores brillantes. Realizó también series de Malevich (Meta-Malevich) y Kandinsky (Meta-Kandinsky). Son homenajes que hacen referencia a la forma de arte de estos creadores, muy admirados por él; y al mismo tiempo, la evolucionó y le dio un toque de picardía ya que hay una leve crítica o alejamiento a la forma de arte de estos artistas, muy importantes pero muy imperativos en el mundo del arte del momento, introduciendo el movimiento como expresión y colisión.

Esta obra presenta un trípode, un cable de frenos, ruedas dentadas, hojas de metal pintadas y un motor. Cuando este motor se enciende toda la obra se pone en movimiento generando con él más de una composición visual. Supera así la visión plana de la pintura.
Esta serie, como casi todas las máquinas de Tinguely, buscan crear obras infinitas, por lo tanto genera en ellas un movimiento impredecible. Esto quiere decir que las ruedas dentadas se pueden doblar, los engranajes harán saltar piezas… así hasta llegar a la destrucción en el caso de que la obra estuviese en continuo movimiento. Se trata pues de una parodia de la propia precisión de las máquinas y la mecánica. Volviendo de nuevo al nombre de la obra: meta-mecanique.

Su máquina autodestructiva más famosa fue Homenaje a Nueva York. Que se presentó en el MOMA y terminó de destruirse en el desierto, cerca de Las Vegas.
Con un timer, ruedas, velas, productos químicos y nueve circuitos eléctricos diferentes creó una gran estructura que se fue autodestruyendo con el paso de los minutos. Esta obra dio la vuelta al mundo por su originalidad y dio que pensar indagando en la importancia de la máquina en la vida diaria del la sociedad actual.

Las máquinas de Tinguely estuvieron en los museos más importantes del mundo y en España se cotizó muy notablemente en las ferias de ARCO.

Fuentes on line:
- http://www.findelmundo.com.ar/belengache/artemedios.htm
- http://artsearch.nga.gov.au/Detail.cfm?IRN=60874&PICTAUS=True
- http://ineselo69.blogspot.com/2009/12/jean-tinguely.html
- http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Tinguely
- http://www.elpais.com/articulo/cultura/Jean/Tinguely/creador/escultura/movimiento/muere/Berna/elpepicul/19910901elpepicul_5/Tes/
- http://www.elpais.com/articulo/agenda/elpepigen/20061101elpepiage_7/Tes/

Ángel. Ron Mueck.

2010-01-12T11:55:00.004Z

AUTOR: Ron Mueck

TÍTULO: Ángel

TÉCNICA: Goma de silicona y técnica mixta

DIMENSIONES: 1,10 X 0,87 X 0,80 m.

FECHA: 1997

LOCALIZACIÓN: James Cohan Gallery (New York)

COMENTARIO RAZONADO DE LA OBRA:

Figura humana desnuda y alada reposa sobre un gran taburete con los codos apoyados en las rodillas y los puños cerrados sujetando la cara.

Nos encontramos ante una escultura hiperrrealista de Ron Mueck; artista australiano nacido en 1958 que a pesar de llegar al mundo del arte por casualidad, se ha consolidado como uno de los escultores actuales más representativos de este movimiento. Resulta paradójico percatarse de que la originalidad de este artista radica precisamente en dotar a sus esculturas de un realismo brutal y pasmoso; ya que en el arte actual se huye bastante de la figuración y de la plasmación de lo real.
Salió de Melbourne para instalarse en USA donde trabajó en series de animación tan importantes como los Teleñecos o Barrio Sésamo. Poco después se instaló en Londres y comenzó su periplo por el mundo publicitario en el que se quedaría. Su incrusión en el arte fue totalmente casual.

Mueck realiza esculturas con silicona; moldeándola mostrando un gran dominio de la anatomía humana. Para conseguir ese acabado tan verídico usa cabellos humanos, fibra de vidrio, látex y demás materiales blandos; además de atrezo real, que contextualiza las figuras en el espacio.

En este caso concreto, utiliza plumas y alambre para mantenerlas con esa forma abierta. Las alas son de gran tamaño; y junto al cuerpo encogido genera una sensación contrastada de grandiosidad y dejadez; de abertura espiritual y forma carnal más cerrada y pensativa. El taburete sobre el que está sentado es mucho más grande que él, por lo tanto hace dúo con las alas y dejan a la figura del muchacho en un aislamiento triste, con las piernas colgando y el cuerpo encogido. Él mismo se da cuenta de su insignificancia con respecto a los elementos que lo rodean.

Cada cabello, tanto de la cabeza como en el cuerpo, está sujeto a la silicona de manera individual y cada pliegue, arruga e imperfección de la piel es plasmada en esta y en todas las esculturas. Se ven venas, lunares, pecas… la expresión de los rostros denotan estados físicos y anímicos.

La cualidad de este artista para actuar como retratista de sensaciones se ve en prácticamente todas sus esculturas. Quizá la más impactante es una mujer embarazada, desnuda y de pie con los brazos en alto, que tiene su rostro exhausto, jadeante, sudoroso; cada músculo en tensión nos deja sensación de extenuación.

A Mueck le llaman también el Dalí actual. Esto se debe al toque onírico de muchas de sus piezas. Para empezar, ninguna tiene un tamaño real, semejante al humano. Según él es porque personas normales vemos todos los días por la calle y él pretende hacer algo distinto. La verdad es que dándole un tamaño colosal a las figuras genera una visión que transgrede, que choca, que nos hace ver extraños nuestros gestos cotidianos y nuestras formas anatómicas. Además hay personajes a los que les aporta detalles no reales dándoles carácter de mito, cuento o sueño. Así, este pensativo ángel, abre sus alas al mundo mientras su talante introspectivo nos deja el rastro para seguir un camino dictado por nuestra imaginación. Algo parecido pasa con Big man, enorme escultura hecha al año siguiente que Ángel, Se trata de una figura colosal de un hombre con aspecto muy rudo, piel áspera y acartonada y expresión dura y triste. Da sensación de sobrenatural, un coloso compungido, un ser onírico.

Un detalle a destacar de este estupendo escultor es que no usa modelos. Es todo sacado de fotografías o de su imaginación. No se siente capacitado para tener a una persona quieta en su presencia tanto tiempo. Este curioso dato no es más que otra muestra de su talento ya que resulta complicado imaginar tanta realidad detallada sin un modelo.

Esta obra, Ángel, es del año 1997, el mismo en que esculpió la obra que le llevó a la fama. Se trata de una escultura muy realista de su padre muerto, desnudo y sin ningún tipo de accesorio. Utilizó su propio pelo en esta ocasión. Esta pieza se expuso en una muestra colectiva en la Royal Academy de Londres y supuso un gran impacto, con opiniones encontradas entre galeristas, críticos y público. Mueck ha seguido siempre en esta línea y aunque actualmente su vida se centra más en su trabajo en el mundo publicitario, tiene siempre cerca sus materiales y su taller.

A pesar de estar desde el principio de su carrera artística afincado en Londres, Ron Mueck ha creado escuela en su país natal ya que la escultura hiperrrealista tiene grandes representantes en Australia. Es el caso del conocido Sam Links, con esculturas impresionantes de excelente precisión técnica o Patricia Piccinini, que dentro de este realismo crea seres inverosímiles generando una especie de desafío a la ciencia.

Fuentes on line:
- http://jesusmaury.blogspot.com/2007/09/ron-mueck-revolucionando-el-arte-de-la.html
- http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=645&Itemid=12
- http://www.titerenet.com/2007/03/27/como-construye-sus-figuras-ron-mueck/
- http://es.wikipedia.org/wiki/Ron_Mueck
- http://rienzie.com/escultura-ron-mueck-nintendo-ds-boys
- http://www.enkil.org/2009/11/13/sam-jinks-escultura-hiperrealista/
- http://www.homines.com/arte_xx/patricia_piccinini/index.htm
- http://paolape.blogspot.com/2006/03/ron-mueck.html
- http://www.jamescohan.com/artists/ron-mueck/

Túmulos efigies. Michael Heizer.

2010-01-12T11:43:00.005Z

AUTOR: Michael Heizer

TÍTULO: Túmulos efigies

TÉCNICA: Tierra, caliza y vegetación

FECHA: 1983 - 1985

LOCALIZACIÓN: Buffalo State Park, Hillinois

COMENTARIO RAZONADO DE LA OBRA:

Esta fotografía, con una forma de típula (insecto) en primer plano, muestra una de las obras de Hearth Art más importantes de Michael Heizer.

El Hearth Art es un movimiento nacido en USA, con su homólogo europeo Land Art, a finales de los años 60. Se trata de un tipo de arte que sigue la línea de los conceptos minimalistas pero cambiando el espacio y los materiales. Ahora se obvia el espacio taller, museístico y galerístico; incluso se abandona el espacio urbano. El nuevo lugar artístico es al aire libre, paisajes abiertos y grandes. En las galerías se deja tan solo una muestra, cuando se deja, de lo que hay en el exterior. La tierra, los troncos, las rocas, las hojas… son los nuevos materiales para la creación artística; por lo tanto, lleva implícito un nuevo concepto de arte; un cambio radical en pensamiento de artista y público. Las obras se quedan en la naturaleza, expuestas a la erosión y a las inclemencias del clima. La mayor parte de estas obras acaban desapareciendo, por lo tanto, lo que se ve y se termina exponiendo de ellas son documentos y fotografías.

Lo que consideramos el manifiesto del Hearth Art parte de la mano de Robert Smithson en el año 1968. Smithson no es pionero en este movimiento pero sí el principal teórico e impulsor. Junto con la galerista Virginia Dwan realizó la primera exposición juntando a los principales representantes, la mayor parte venidos del mundo minimal. Lo más relevante de esta exposición fue sin duda la aportación, no de los veteranos minimalistas, sino las obras de artistas jóvenes que empezaron su andadura con este movimiento. Uno de ellos era Michael Heizer, empeñado en dar personalidad propia a los paisajes culturalmente agrestes de los Estados Unidos.

Esta obra, Túmulos Efigies, está en Illinois; en un terreno que antes estaba dedicado a la explotación minera. Heizer ganó un concurso convocado por la compañía Silica para recuperar la zona y hoy está a cargo del departamento de Medio Ambiente y forma parte de un parque natural (Buffalo State Park). 460.000 metros cúbicos de tierra y 6.000 toneladas de caliza conforman los túmulos que componen esta obra. Son en total cinco esculturas colosales, todas en forma de animal, como muestra del retorno a la vida en una zona donde el hombre la había aniquilado. -La caliza ayuda también a afianzar este concepto ya que gracias a ella la hierba vuelve a crecer en este paisaje.- Se trata de la fauna autóctona del lugar en tiempos de los indios. Hay un túmulo en forma de rana, otro en forma de serpiente, una tortuga marina, un pez sirulo y uno en forma de típula que es el que tenemos en la imagen. Todas las formas están geometrizadas, tal y como componían este tipo de obras los indios del lugar. De hecho, estas obras están inspiradas en esculturas parecidas que hacían los indios también con formas de animales; aunque no los mismos. Esta regresión a las artes primitivas dio que hablar en el mundo filosófico del arte. Giedon, en su libro El presente eterno: los comienzos del arte, habla de la similitud de conceptos entre el artista actual y el antiguo debido a su lenguaje abstracto, las figuras primarias y la búsqueda de la esencia.
Al tratarse de un terreno antes usado para la explotación minera había desniveles que el artista utilizó para dar forma a la obra. De esta manera se abarataron los costes, que ascendían bastante debido a la utilización de máquinas de obra tipo bulldozers.
Esta obra es del año 1983 pero esta filosofía de emular a los antiguos nació en el año 1969 con su obra más significativa: Double negative, en el desierto de Nevada. Las sociedades precolombinas excavaban en la tierra dándole formas geométricas. Aquí Heizer dinamitó el terreno y desplazó 240.000 toneladas de tierra. De esta manera creó unas gigantescas fosas de 15 metros de profundidad. Se trata de la negación del espacio positivo y su tridimensionalidad, típico de la escultura tradicional.
Con este tipo de obras pretende también generar lugares que inspiren paz y tranquilidad; por eso opera en desiertos y grandes parques. Esto es algo común en todos los artistas de Earth Art. Ellos ahondan dentro de los conceptos de misticismo y lo sublime. La espiritualidad y lo sublime están presentes en la parte procesual de la obra de arte. Antes de realizarla, el artista busca el lugar preciso, viaja hasta él, lo explora… después viene el tiempo de preparación y realización y por último el paso del tiempo que cambia poco a poco la obra. Esto implica una relación sentimental entre el artista, el terreno y la naturaleza que eleva la obra al concepto de sublime.

Se trata pues esta obra que vemos, de una reflexión profunda de los conceptos de arte, historia, ruptura con lo anterior y novedad. Además, el artista no la terminó, sino que es la misma naturaleza la que la concluye haciendo crecer la hierba y erosionando las piezas poco a poco. Un todo que hace del paisaje de este parque de Illinois único en el mundo.

Bibliografía:
- Tonia Raquejo. Arte hoy. Land Art. Ed. Nerea
- Anna Maria Guasch. El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural. Ed. Alianza Forma.

Jannis Kounellis 1968. Sin título

2009-12-19T22:45:00.006Z

Jannis Kounellis 1968. Sin título

-AUTOR: Jannis Kounellis (1936)

-CONTEXTO: Nos encontramos ante una obra de uno de los mayores exponentes del arte povera italiana fechada en el 1968. Se trata de un momento convulso en todo el mundo, tanto en la situación social, con un movimiento pacifista generado por la interminable guerra de Vietnam, protestas revolucionarias en Francia y una sensación general de decadencia en toda Europa que abarcará todos los campos, incluido el mundo del arte.

Los artistas, años antes estereotipados por una falta total de apego al proceso histórico general, abandonan poco a poco los paradigmas bohemios y se inmiscuyen en la sociedad tomando conciencia de la función crítica de la obra de arte. Siguiendo ideas de pensadores como Adorno y Marcuse, comenzamos a vislumbrar una revolución cultural que proclama un nuevo arte de vanguardia mano a mano con la izquierda revolucionaria.
Así, en Francia nos encontramos con un tipo de arte activista, muy vinculado a la política, que rechaza el arte individualista. Se crean ateliers de artistas donde trabajan todos juntos y la obra de arte pasa a ser un objeto producto de un trabajo colectivo. En Alemania, Joseph Beuys, crea un partido político basado en un nuevo concepto de arte que parte de la acción y la reflexión. En Italia, que es el lugar que nos concierne, se lucha igualmente contra la cultura establecida. Pretenden cambiar los modos de percepción del mundo situando al espectador frente a frente con la realidad. Para ello, usan la naturaleza a modo de retorno al origen; a la esencia de las cosas. Es un empezar de nuevo. Quieren, por lo tanto, romper con el concepto de que el arte es valioso y único. La sociedad europea está en decadencia y en demasiada vinculación con el arte falto de expresividad norteamericano. Pretenden así, volver a sentir. Usan las piezas artísticas como métodos sensoriales básicos rechazando lo industrial y la repetición, tan típica del pop art y minimalismo norteamericano. Reivindican el calor y la suciedad de los materiales llegando a una concepción mítica de la experiencia humana.
De esta manera hacen un tipo de arte basado en una estética pobre, hecho de materiales pobres, sin implicaciones culturales y con el objetivo de un resultado expresivo que dé un nuevo sentido y energía al arte y a la sociedad.
Crean pues un nuevo modo de actuar. Ya no buscan algo objetual preciosista y tampoco algo comercializable. De hecho los materiales usados son sacados directamente de la naturaleza siendo muchos de ellos orgánicos y caducos.
Actúan al margen del esquema social del momento para combatirlo; de esta forma, el artista se convierte en una especie de guerrillero reivindicativo, inspirado en el modo de hacer de Duchamp.

“El registro estético de Kounellis es expresión de una rabia contenida, de una actitud rebelde e inconformista, que no acepta que la contienda por la configuración humana de la vida, del mundo, haya terminado irremisiblemente en la derrota.”

Kounellis empezó su periplo por el mundo del arte siguiendo la estela de Fontana, Manzoni y Burri. No tardó en desvincularse de este tipo de arte y se adentró en una carrera que pretende adentrar a la naturaleza en el proceso del arte. Para ello utiliza materiales que rompieron esquemas. Usa el fuego, el agua, el carbón, desperdicios, restos animales, lana, telas, granos de café… todo sacado del día a día y sin apenas manipularlo.
En esta primera etapa creativa, ya metido en el movimiento povero, pretende sacar la energía vital del arte en un momento en que según él está en total decadencia. Para evidenciarlo, crea piezas que juegan con el espacio, con la luz y con la reacción del espectador. Un año antes de la creación de la obra que estamos tratando, Kounellis presenta una margarita de metal que escupe una llama de fuego desde el centro. Al fuego recurre mucho en esta primera etapa como elemento vivificador; como elemento viviente recurre a los animales. En esta obra a un material sacado de un animal vivo y un año más tarde a los mismos animales vivos. La obra de los doce caballos vivos fue la que lo catapultó a la fama ya que engloba todos los registros sensoriales y rompe totalmente con la idea tradicional de exposición en un museo. El olor, el sonido, el tacto, la visión de los caballos en un espacio totalmente descontextualizado… sin duda, una obra rompedora donde el espectador se ve en un cambio total de concepción de la obra.

-DESCRIPCIÓN FORMAL DE LA OBRA. La obra que presentamos, de lana, cuerdas y madera, es una pieza escultórica inmersa en un formato pictórico. En un marco de 250x200 cm agujereado en los laterales, se dispone una cuerda que pasa por los 18 huecos dispuestos uno debajo de otros, 9 en cada lateral del marco.
En medio, y encaramado a la cuerda, que ha creado una estructura sustentante, vemos una pieza escultórica hecha de lana virgen de dos colores: blanco, en su mayor parte, y negro en la parte de arriba y en la de abajo. Es una forma alargada pendiente en el espacio que nos lleva una visión antropomórfica, y si vamos más allá, encontramos una similitud con una crucifixión; motivo muy reiterativo en toda la historia del arte.

-ANÁLISIS DEL PROCESO CREATIVO Y DE LA TÉCNICA: El ensamblaje de materiales que conforma esta obra de arte, no es nada fácil de abordar técnicamente. No constan pasos previos ni bocetos; al menos en el aspecto plástico. Si nos fijamos, en cambio, en la fecha de la obra y en el momento del artista, si podemos observar una reflexión creativa y unos pasos previos para llegar a esta pieza. Nos encontramos en un momento de cambio puro en su estilo, ya que abandona la pintura por las instalaciones del arte povera.

En esta imagen, por ejemplo, vemos uno de sus últimos cuadros estrictamente pictóricos basados en la estética de Fontana o Manzoni. De este tipo de estética a disponer caballos en una sala de museo hay una profunda reflexión, que sucedió en poco tiempo pero, a pesar de ello, tuvo su transición. La obra que tratamos es esa transición. Es un icono del cambo, un punto de inflexión en su carrera artística. Cambia materiales, soportes y conceptos. De esta época también son sus collages tradicionales de formas orgánicas.

La técnica empleada es el ensamblaje de materiales dispuestos de distintas maneras. Ha seleccionado este tipo de técnica por su nueva visión del arte, más simbólica, crítica y palpable.
Ha elegido este tipo de materiales por la concepción de arte povera donde se vuelve a los materiales naturales sin apenas manufacturar. En este caso la lana virgen nos da un aspecto burdo y sucio, cosa que Kounellis pretendía.
La disposición de la obra en un marco remite a un camino entre pintura y escultura muy típica en este artista. Esta manera de hacer ha permanecido hasta su obra actual y es un juego expresivo que evidencia de conjugar lo nuevo con el retorno a lo tradicional, al pasado.
Las cuerdas tensadas atraviesan la lana aprisionándola y dejándola inmóvil. Esto lo hará en obras posteriores de este género donde aprisiona distintos objetos de saco o plástico con barras de metal, siempre dentro de un marco.

Enmarcar esta obra en una técnica concreta es muy difícil ya que no existe denominación para ello; pero sin duda, los ensamblajes nos remiten al collage, que es la unión de diversos materiales pegados en el lienzo. Se trataría pues de una vuelta de tuerca a esta técnica.
Viajamos entonces al mundo de Picasso y Braque, que pegaban papeles pintados, recortes de prensa y objetos como rejillas o paquetes de tabaco. Nos remitimos también al artista dadá Kurt Schwitters que incorporó a sus collages artículos de desecho como tickets del metro o materiales orgánicos como la lana.
Kounellis evolucionó esta idea y en esta obra no adhirió los materiales al soporte de madera sino que hizo un collage con un nuevo soporte, que será el marco agujereado con las cuerdas, y encajó la lana virgen dándole la forma deseada.

Esta obra tiene tanto de innovadora en la técnica como en el estilo; catapultando así al autor hacia una carrera llena de éxitos y reconocimiento.

-CONSERVACIÓN Y RESTAURACIÓN: En este momento la obra está en perfecto estado de conservación. La madera del marco, agujereado para sostener y tensar la cuerda, está sin una sola grieta y se evidencia la solidez que presenta. Las cuerdas, al ser gruesas, tampoco presentan ningún síntoma de desgaste.
El único problema que puede presentar actualmente es la lana, que al ser un material orgánico puede degradarse más rápidamente.
Lo ideal es mantener esta pieza en un lugar que no presente humedad y si es posible con un sistema de des-humidificación óptimo para que en la lana no se genere ningún tipo de moho. Este aspecto también es útil para la madera, pero sin duda, lo más delicado es la figura de lana que tenemos aquí sustentada.

-ANÁLISIS DE MERCADO:
Obras de Kounellis actualmente en venta:

Título: Dintorni di Alik
Año 2000
Técnica: Libro Ilustrado
Dimensión de la imagen
50,0 x 35,0 cm
19.7 x 13.8 in
Tirada115
Precio3 500 Euros (€)

Título: Sans titre
Año 2001
Técnica: Litografía
Dimensión del papel
68,0 x 48,5 cm
26.8 x 19.1 in
Tirada39
Precio1 800 Euros (€)
Jannis Kounellis es un artista muy importante y cotizado en el mercado de arte actual por ser uno de los mayores representantes del arte povera. Su obra está dispersa en muchas galerías del mundo y numerosas exposiciones en museos avalan una carrera que aún hoy continúa en auge. La obra que expongo se encuentra actualmente en la galería Karsten Greve, St. Moritz en Suiza y gracias a eso hemos podido disfrutar de ella en la pasada edición de ARCO, aquí en Madrid. Esta galería la adquirió en el 2008 ya que antes pertenecía a una colección privada de un coleccionista de esa misma ciudad.

Solamente en Madrid hemos tenido varias exposiciones de Kounellis en los últimos años, una en el año 1996 en el Museo Nacional centro de arte Reina Sofía y otra este año en el Matadero de Legazpi donde instaló dos obras y habló largo y tendido sobre su carrera artística.
En Barcelona, en la galería Carles Taché, también han tenido la oportunidad de exponer obra suya en el año 2003, así como en la fundación Caixa Galicia en Santiago de Compostela en el 2008 y en el GACMA de Málaga en el 2007.
Sería imposible enumerar todas las exposiciones en museos, fundaciones y galerías de este artista ya que se trata de un personaje de gran prestigio y es solicitado en todos los países del mundo. Aún así, expongo una pequeña selección de las más destacadas ordenadas cronológicamente:
-2005 - Kounellis, Galerie Karsten Greve, Paris
-2004 - Jannis Kounellis. New Works, Sprovieri, Londres, Inglaterra. - Kounellis in Sarajevo, Ars Aevi Forum, Sarajevo. - National Museum of Contemporary Art, Atenas, Grecia. - Kounellis, Galerie Karsten Greve, Colonia, Alemania.
-2003 - Jannis Kounellis at St. John's Church, St. John's Church (Herning Kunstmuseum), Herning - Jannis Kounellis, Torrione Passari, Molfetta - Jannis Kounellis, Monastero Mechitarista, Isola di San Lazzaro degli Armeni, Venecia, Italia. - Jannis Kounellis, Palais de l?Unesco, Paris, Francia. - Kunstraum Innsbruck, Innsbruck
-2002 - Galleria Nazionale d?Arte Moderna, Roma, Italia. - Senza Titolo?, Hallen fur Neue Kunst, Schaffhausen - Jannis Kounellis, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gent - Opening of stazione Dante, subway, Napoles, Italia.
-2001 - Galerie Karsten Greve, Colonia, Alemania. - Centro per l'Arte Contemporanea, Prato - Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay. - Bottini dell?Olio, Livorno - Kunststation St. Peter, Colonia, Alemania - Galerie Karsten Greve, Paris, Francia. - Notturno tenebroso, Diozesanmuseum, Freising. - Kounellis, Prato, Gli Ori.
-2000 - Jannis Kounellis en Mexico, Chiesa di San Auguitin, Ciudad de Mexico, Mexico.
-1999 - Jannis Kounellis. II Sarcofago degli Sposi, Osterreichisches Museum fur angewandte Kunst, Viena.
-1998 - Jannis Kounellis, via monte di Tappia, Naples - Kounellis, Galerie Leiong, Paris, Francia. - Alfredo Pirri, Jannis Kounellis Bernhard Rudiger, Volume!, Roma, Italia.
-1997 - Kounellis, Refettorio delle Stelline, Milan, Italia. - Jannis Kounellis. Die Front, das Denken, der Sturm, Museum Ludwig in der Halle Kalk, Colonia, Alemania.
-1996 - Kounellis, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, España. - Kounellis, Castelluccio di Pienza - La Foce - Jannis Kounellis, Galleria Bernd Kluser, Monaco - Jannis Kounellis. La Balera, Galleria Loza Koper, Capodistria
-1995 - Kounellis, Salara, Bologna. - Jannis Kounellis, Chateau de Plieux, Plieux - Jannis Kounellis. Die eiserne Runde, Hamburger

Esta obra de Kounellis está valorada en 34.000 euros por tratarse de una de las primeras de su estilo povera, su tamaño y su pureza técnica.

-BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA
- Anna María Guasch – El arte último del siglo XX – Del postminimalismo a lo multicultural. Alianza Forma
- Galerie Karsten Greve – Kounellis- Redactado por Barbara Huttrop- 2007

Fuentes on line
http://artesigloxxi.wordpress.com/
http://www.elpais.com/articulo/arte/Kounellis/fin/laberinto/elpbabart/20030301elpbabart_4/Tes
http://www.replica21.com/archivo/articulos/e_f/038_eftekhar_koune.html
http://www.elpais.com/articulo/cultura/Kounellis/medio/siglo/limite/elpepicul/20091001elpepicul_3/Tes/
http://www.telefonica.net/web2/enriquecastanos/kounellis.htm
http://www.enterarte.eu/enterarte/ficha.php?idficha=7#
http://www.ffil.uam.es/jjimenez/Kounellis.htm
http://www.picassomio.es/jannis-kounellis.html
http://www.mnav.gub.uy/kounellis.htm
http://www.estiarte.com/estiarte2008toc/
http://www.amorosart.com/estampas-kounellis-682-1-es.html
http://www.gacma.com/

Amtoni Abad

2009-12-18T10:50:00.008Z

Nace en Lleida en 1956 en el seno de una familia de gran consciencia artística e intelectual. Su padre era escultor y su madre poeta.
Se licencia en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona en 1979.

Comienza trabajando el dibujo y la pintura pero enseguida se decantará por la escultura utilizando materiales blandos como el plástico trenzado o la goma espuma. Más tarde introducirá estructuras metálicas de uso industrial.

En esta primera etapa Antoni Abad mezcla una estética minimalista a la vez que dinámica en las formas, donde incluye la importancia del proceso de la obra y la métrica como acotamiento de la realidad. La búsqueda minimalista le lleva a interesarse por las unidades de medida. En 1994, abandona el concepto plástico y aborda las nuevas tecnologías. Ese será el punto de inflexión principal en su trayectoria como artista puesto que serán el instrumento de toda su producción posterior.

La evolución del concepto de métrica en Abad queda plasmada en las obras iniciales de este periodo: Medidas Menores y Últimos Deseos ambas del 94. En ellas pasa de la medida exacta decimal a la medida aproximada según la experiencia de la anatomía humana. Para este fin toma como unidad de medida el palmo y el pie respectivamente.

Al año siguiente realiza una de sus obras más importantes, Sísifo, que será su primer contacto con Internet. Se trata de la proyección simultánea, en Barcelona y en Wellington Nueva Zelanda, de dos hombres desnudos tirando de la misma cuerda. Cada imagen estaba “colgada” en un servidor diferente, uno por cada ciudad. Al estar ambos tirando continuamente de la cuerda se crea una tensión constante e infinita que remite a la impotencia del hombre frente a su ciclo. Asimismo la cuerda se presenta como el eje terráqueo metafórico y de unión entre las antípodas.

En el último periodo de la primera etapa encontramos, en soporte DVD, la Trilogía de la vida en el sótano , donde habla de la miseria humana usando como metáfora las ratas, que tienen una existencia aparentemente paralela hasta que irrumpen en nuestras vidas. En Errata (1996) estos animales representan el ritual de acercamiento, cortejo y apareamiento humano. En Ciencias Naturales (1997) el espectador debe entrar en una sala con un gran número de ratas proyectadas en el suelo. Y en la proyección de Love Story (1998) nos encontramos con una tarta en forma de corazón, que es devorada por las ratas, según el mismo Abad “El amor desaparece, pero queda el corazón”.

Al utilizar como protagonistas a las ratas, el artista pretende realizar una sátira sobre la forma de relacionarse que tienen las personas .

En el mismo marco de la sátira Abad concibe Ego (1999). Un grupo de moscas conforma en diversas lenguas la palabra “yo”. Entre las múltiples interpretaciones lingüísticas y estéticas de la obra está una evidente en la que el artista equipara el ego humano al aspecto desagradable de estos insectos. “El ego es una de las cosas más asquerosas que hay, las moscas buscan las cosas asquerosas” explica el propio Abad.

Después de ésta obra Antoni Abad se sumerge en mundo del NetArt, inaugurando así su segunda etapa creativa. La obra 1.000.000, presentada en ARCO en el año 1999 ganó el premio Arco Electrónico, siendo la primera obra de NetArt adquirida en España por la Fundación Sanitas. Consiste en la recepción de besos a través de ventanas emergentes como contrapunto a la frialdad que supone la pornografía y el erotismo en Internet. Con esta primera obra se introduce el cambio del espectador a usuario. Del mismo modo que la experiencia del Arte sufre un cambio significativo a partir de esta mudanza de sitio de exhibición: del museo a la pantalla del ordenardor.

Una de las obras más curiosas de esta etapa es Z, 2001. Un virus benigno que el artista difunde en Internet con acceso voluntario del usuario que encuentra en su escritorio y documentos una mosca que escapa del ratón. Un equivalente de un insecto molesto en un área común y de trabajo como la pantalla.

La última etapa de producción de Antoni Abad se inicia en el 2003 con la creación de Comunidades digitales. Proyectos que aúnan el uso de aparatos como móviles, la participación de ciudadanos, la interactividad y las redes virtuales, como parte de una obra que procede de nuevas instancias de creación, donde artista, público y participante configuran una obra emergente, circunstancial y abierta. Suelen darse en colectivos vulnerables (prostitutas en Madrid, taxistas de México, desplazados en Colombia) donde los medios de comunicación convencionales no tiene una cobertura considerable y que por esta misma razón son un territorio de exploración para temáticas sociales relevantes susceptibles de publicación y tratamiento artístico. El punto de partida de estos canales se da con un primer contacto con estos colectivos a través de talleres y grupos de trabajo. Seguidamente se hace entrega a los integrantes de teléfonos móviles con cámara integrada con los cuales cada uno registrará de modo inédito sus vivencias a través de fotografía, videos y mensajes de texto, que en tiempo real se introducen en la Web.

Las primeras obras de Antoni Abad giran en torno al Minimalismo dinámico. Al introducir este tipo de tecnologías que combinan la comunicación y la interacción se convierte a un Minimalismo Mediático como él mismo lo denomina.

Fuentes on line:

http://www.hamacaonline.net/autor.php?id=189

http://www.encyclopedia.com/doc/1G1-109444941.

http://www.montejana.net/index.php?option=com_content&view=article&id=86:antoni-abad&catid=45:publicidad&Itemid=27

http://www.soitu.es/soitu/2008/07/21/vistoenlared/1216661674_357615.html

http://www.artespain.com/06-06-2008/informes/sisifo-obra-de-net-art-de-antoni-abad

http://es.photography-now.com/artists/K16867.html

http://www.roalonso.net/es/videoarte/antoni_abad.php

http://www.fundacion.telefonica.com/at/futura/002.htm

http://www.macba.es/controller.php?p_action=show_page&pagina_id=29&inst_id=18945

Saleta Docampo Garrido
Stefany Suárez Villadiego
Maria Nicolau Oliver
Olga Pastor Alvarado

Los últimos instantes: Henry Peach Robinson (I)

2009-12-09T20:24:00.005Z

Nombre de la fotografía: “Fading awai” (Último suspiro). En España también conocida como “Los últimos instantes”.
Autor: Henry Peach Robinson.
Nacionalidad: Gran Bretaña.
Año: 1858
Técnica: Colodión sobre vidrio.
Tipo: Blanco y negro con virado en sepia.

Sobre el momento y el movimiento:

Nos encontramos en época victoriana, momento de inestabilidad para el pueblo, para la burguesía y para los cargos de poder. En diecisiete años hubo siete gobiernos distintos y, por lo tanto, un ambiente bastante hostil que generaba desconfianza. La sociedad estaba anclada en valores como el trabajo duro, la competitividad y la sumisión religiosa. Las principales instituciones de la sociedad victoriana eran la familia y el hogar, con moral rígida y severa. De ahí la actitud melancólica de los genios del momento.
Aún así, estamos en tiempos de romanticismo y emotividad; los sentimientos es lo primero a resaltar en toda obra de arte, dejando a un lado cualquier planteamiento intelectual ante el acontecimiento que muestra. El contexto del momento incita a la reflexión y sensibilidad melodramática donde prima la exaltación de los sentimientos. En las artes plásticas se seguía el camino abierto por Turner y sus paisajes violentos y melancólicos y Constable engrandeciendo la naturaleza de manera inaudita, entre otros que enriquecieron el arte inglés de la época.
La fotografía, ya concretando, no era un medio bien visto en un principio ya que, según los artistas, era una técnica que tendía a la mímesis sin tener en cuenta la imaginación del que la practica; un dispositivo inerte.
Pero, poco a poco, la sociedad la fue aceptando hasta verla como un arte más. Se introdujeron técnicas como el calotipo, con un poderoso grano y un “flou” (desenfoque) que hermanaban un poco las dos artes. La utilización de la técnica del colodión, primero húmedo y más tarde seco, daba excelentes resultados de calidad fotográfica, lo que podría ocasionar reticencias con respecto al tema de el parangón de las artes, pero en este momento, los mismos artistas son los que dan a entender lo contrario. Fotógrafos que empiezan a utilizar la técnica fotográfica para “imitar” con gran perfección las técnicas pictóricas. Es el caso de fotógrafos como Julia Margaret Cameron, B. Braquehais, Oscar Gustav Rejlander, Henry Peach Robinson, Antoine-Samuel Adam-Salomon, Gustave Le Gray, Lewis Carroll, etc. En estos autores se puede apreciar una búsqueda de temas, una elección de sujetos, un trabajo en la pose, que definen un “estilo” propio (concepto clave para medir la artisticidad del trabajo pictórico), que pone en crisis el supuesto automatismo de la fotografía. La fotografía se convierte así en un vehículo de una voluntad moralizante o mística, en ocasiones. No fue hasta 1855 cuando se incluyó en las exposiciones universales en la sección de industria pero ya los fotógrafos estaban considerados artistas siempre y cuando se basasen en lo pictórico. Robinson, el autor de la obra a analizar, habló sobre el tema con las siguientes palabras: Para que la fotografía alcance el estatus de arte, es necesario que el artista corrija de la fotografía todo aquello que no sea pictórico, para acercarla a la norma de lo bello. Cualquier artimaña, truco y conjura, de la clase que sea, está permitido al fotógrafo.

En el segundo post: la fotografía y el autor.

Los últimos instantes: Henry Peach Robinson (II)

2009-12-09T19:28:00.001Z

Sobre el autor:

Henry Peach Robinson nació en 1830. Era una persona de gran talento y constancia. En su vida, además de dedicarse a la fotografía, fue vendedor de libros y pintor. Muy influenciado por la pintura romántica de Turner, es considerado como uno de los padres del pictorialismo fotográfico . También fue uno de los grandes luchadores a favor de la inmersión de la fotografía en el mundo del arte. Es autor de algunos tratados sobre el arte fotográfico, como “Pictorial Effect in Photography” (1869), “Picture Making in Photography” (1884) o “Artistic Effect in Photography” (1885), donde defiende la ruptura del automatismo en fotografía y su elevación a la categoría de arte (pictórico). Sus ideas sobre la “perspectiva atmosférica”, el “aire pleno”, la “luminosidad”, emparentan su trabajo con el naturalismo y el impresionismo pictóricos de finales del siglo XIX.

Fue el fundador de la influyente hermandad “Linked Ring”, con repercusión durante veinte años, y fue miembro de la “Honorary Fellowship de la Royal Photographic” a partir del 1900.

Sobre la obra:

Montaje que parte de cinco negativos distintos que nos muestra la agonía de una chica enferma de tuberculosis rodeada de su familia. En esta imagen indudablemente dramática, ella es el centro; detrás se encuentra su hermana y de frente, la figura materna. El padre se sitúa al fondo, de espaldas, frente a un ventanal acodado con pesados cortinones. Se ve un paisaje tormentoso a través del cristal.
Podemos observar de manera fácil el grano, debido al colodión, lo que le da a la foto el aspecto pictórico que se buscaba en el momento.
Morfológicamente, hay líneas contrastadas que regulan la armonía de la fotografía. Los pliegues de la cortina y las faldas de las mujeres son las verticales y el ventanal y la propia protagonista son elementos horizontales. Los planos, dos, vienen dados por las tres mujeres, a la misma distancia del objetivo, y al fondo, el ventanal y el padre. Al ser una imagen compuesta de varias fotografías se puede apreciar cierta borrosidad, pero, en realidad, el fotógrafo lo buscaba debido al gusto de lo pictórico. En términos lumínicos no consta de nada espectacular ya que es naturalista y neutra, aunque parece lo contrario debido al contraste y a la tonalidad del color: una gran escala que va desde el intenso tono negro de la casaca del padre (símbolo de dolor), hasta el camisón blanco de la joven enferma (pureza y virginidad).
Desde el punto de vista del espacio de la representación, cabe señalar que nos hallamos ante un espacio concreto, realista y reconocible por el espectador. Hay un espacio simbólico representado por el cielo tormentoso que se entrevé en el exterior de la habitación que es metáfora del sufrimiento de los familiares.
Un aspecto muy importante a tratar es la temporalidad, ya que no se corresponde con la realidad de la foto. Sabemos que es un positivado que contiene cinco negativos, por lo tanto sabemos que los modelos posaron durante bastante tiempo; pero contrariamente, la fotografía está dotada de una gran instantaneidad: El momento último de una mujer ante la desesperada mirada de sus seres queridos.
Finalmente comentar el significado que esta foto tuvo en su momento. El romanticismo que desprende no es solamente debido al tema, se trata de involucrar al espectador en el dolor; en el dramatismo y en el instante de los personajes. Una auténtica obra de arte que no dejó lugar a la hora del debate acerca del parangón de las artes.

Kurt Schwitters - Collage

2009-12-09T12:44:00.005Z

AUTOR: Kurt Schwitters

TÍTULO: Sin título

TÉCNICA: Collage, técnica mixta sobre papel

DIMENSIONES: 15 x 12.1 cm

FECHA: 1921

Nos encontramos con un collage de estilo desenfadado y dadaísta de Kurt Schwitters. A pesar de que la estética es muy parecida a la del grupo Dadá de Berlín, Schwitters solamente pertenece un tiempo a este movimiento ya que es expulsado enseguida. Como consecuencia, él mismo crea su propio grupo Dadá en Hannover y le llama Merz. Este nombre viene de un trozo de palabra en uno de sus collages. La estética es prácticamente la misma pero la esencia y filosofía es distinta porque el grupo Merz, al contrario que los Berlineses, no son tendenciosos políticamente hablando y así lo muestran en sus escritos y obras. Se dejan influenciar por el constructivismo ruso, por su manera estructurada de hacer las cosas, e incluso por la limpieza de formas del grupo de Stijl. Pero siempre partiendo de su base protesta anti-arte, abogando por lo aleatorio y lo inmediato.
Este pensamiento se ve en Kurt Schwitters de manera más directa en sus collages, trabajos que realizó prácticamente toda su carrera artística desde el año 1919. Son recortes de prensa, fotos recortadas, entradas de autobús, trozos de cartón… todo colocado de manera aparentemente casual dando lugar a obras como esta que vemos, que nos proyecta distintas texturas y formas geométricas con trozos de palabras que dejan huella a pesar de no significar nada concreto. Hizo collages de muchos tamaños llegando hasta el gran formato y a pesar de aparentar aleatoriedad, llevaba detrás un minucioso trabajo.

Los collages no fueron el único trabajo artístico de Schwitters. Se trata de un artista polifacético que trabaja también con la literatura, los sonidos y la música. Tiene poemas de letras, partituras de música inconexa, obras de gran tamaño con materiales de deshecho… se trata pues de un revolucionario, por crear un estilo anti-arte de protesta como una burla a la sociedad actual, y un pionero ya que posteriores artistas, sobre todo después de la II gran guerra, han seguido su sendero y han utilizado los mismos materiales como método creativo.

Fuentes on line:
- http://www.merzmail.net/ivan1ursonate.htm
- http://es.wikipedia.org/wiki/Kurt_Schwitters
- http://www.epdlp.com/pintor.php?id=3217
- http://www.uclm.es/ARTESONORO/K.SCHWITTERS/INDICE.K.S.html
- http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/schwitters.htm
- http://www.march.es/arte/anteriores/fichas/fichaexpo.asp?clave_expo=32
- http://www.wikipedia.org/
- http://discursovisual.cenart.gob.mx/anteriores/dvweb10/art01/art01.html

Princess XX - Constantin Brancusi

2009-12-09T06:02:00.006Z

AUTOR: Constantin Brancusi

TÍTULO: Princess X

TÉCNICA: Bronce pulido

DIMENSIONES: 61,7 x 40,5 x 22,2 cm

FECHA: 1915 - 1916

LOCALIZACIÓN: Philadelphia Museum Art

“He aquí un falo”

Estas palabras de Matisse fueron el revulsivo que generó una discusión abierta en el mundo artístico acerca de la esencia y la moral de la obra de arte. Fue retirada del Salón Independiente de París porque no podían permitir que el ministro se pasease delante de un pene; esto enfadó muchísimo al autor, que reivindicaba un arte de camino entre la esencia y lo abstracto.
La escultura muestra, efectivamente, una forma fálica y Brancusi lo hizo de manera consciente, pero también se inspiró en las formas redondeadas y curvas femeninas dándole un aspecto antropomórfico. Se cree que fue un homenaje a su amante de aquel entonces; la princesa Bonaparte.

Constantin Brancusi fue un artista brillante que de no ser por la suerte, o el destino quizás, no hubiese tenido el éxito que actualmente lo avala. Nació en Rumanía en una familia pobre y no pudo ir a la escuela. En vez de eso, se pasó años trabajando el campo y cuidando animales, inmerso en la naturaleza. Después de trabajar en diversos lugares en puestos de lo más variado, fue a parar a una taberna donde alguien lo retó a fabricar un instrumento. Cogió una caja de naranjas y fabricó un violín del que se podía sacar un sonido sorprendente. Ahí fue donde su vida cambiaría para siempre; un cliente adinerado lo apadrinó y se inscribió en la escuela de arte.

Prácticamente toda su carrera artística se desarrolló en Francia, aunque su éxito cruzó fronteras en seguida. La contemplación de la naturaleza y su afán por la esencialidad de las cosas son los factores predominantes en las obras donde su estilo propio e inconfundible está ya desarrollado. Cuando llegó se dejó influenciar por escultores enigmáticos de la talla de Rodin, pero enseguida comprendió que para crecer con una impronta genuina tenía que abrirse camino solo. Su arte bebe de las formas simples, de lo sintético de la escultura africana o incluso de lo prehistórico.

Como podemos comprobar en esta Princess XX, trabaja con formas básicas como el cilindro o el huevo, alargándolas o moldeándolas de manera orgánica. No era su pretensión crear objetos bellos, o sublimes, pero lo cierto es que las esculturas de Brancusi inspiran calma, aluden a la belleza y nos trasladan hacia lo infinito.

Los materiales básicos que utiliza son el bronce, el mármol y la piedra. Jugaba con ellos de manera especial ya que los utilizaba para dar más énfasis a la obra. Así, el bronce lo pulió hasta que reflejaba en él el espacio y los destellos de luz, como vemos en esta obra; la piedra la utilizaba para crear pedestales burdos que resaltaban, aún más, si cabe, la belleza de la escultura pulida…

A pesar de no pertenecer a ningún movimiento artístico en concreto, Brancusi fue pionero en la escultura moderna, abriendo el sendero a posteriores artistas del siglo XX en su carrera hacia la abstracción. Para él, era inútil esculpir un objeto tal cual; es la esencia del mismo lo que importa. Por eso, elimina sistemáticamente lo accesorio. Su escultura Pájaro en el espacio, es el ejemplo más claro para explicar este concepto. Muchos le dijeron que ahí no veía un ave, y era cierto. Sus años de infancia, cuando contemplaba la naturaleza, le sirvieron para captar la esencia de estos animales; no quería esculpir al pájaro, sino a su vuelo; y así lo hizo. Prescindió del pico, de las patas, de las plumas… todo eso era accesorio. Una filosofía y forma de ver el mundo que aún hoy está presente y que ha servido de inspiración a posteriores genios.

Princes XX es una obra orgánica, redonda y pura. Poco después empezaría a trabajar más en el concepto de infinito y el resultado será La columna sin fin, su obra cumbre y seguramente más famosa.

Fuentes on line:
- http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/18238/Brancusi
- http://www.elpais.com/articulo/arte/Brancusi/vuelo/materia/elpbabart/20040124elpbabart_1/Tes
- http://sepiensa.org.mx/contenidos/l_brancusi/brancusi_1.htm
- http://www.artstudiomagazine.com/artes-plasticas/constantin-brancusi.html
- http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=6312&Itemid=7
- http://www.indexarte.com.ar/artistas/31/constantin--brancusi.htm
- http://pdf.rincondelvago.com/estetica-del-arte.html

La Nueva Bohemia

2009-12-08T13:05:00.001Z

"El vanguardismo, el dinero, la posición, lo chic e incluso la idea de la sexualidad en los años 60 tenían implicaciones en el mundo del Pop Art. El sitio, sin duda alguna, era la galería de Leo Castelli en el número 4 de la calle 77 Este. Castelli contaba con Johns, Lichtenstein, Warhol, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, los más importantes. Era allí donde entonces se daban los retoños de la cultura, las hermosas jovencitas de caderas en guardia, divididas en hemisferios por las costuras de los recios pantalones tejanos, que asaetaban con mohines culturales desde sus pequeños ojos egipcios.

Sólo Dios sabe los bien que los artistas Pop se identificaron con el fenómeno. Si los expresionistas abstractos llegaron a tener tan desastrosos problemas en la práctica del doble registro desde la Danza de los Bohemios, a la Consumación, si Pollock, Newman, Rothko (en realidad todo el grupo) tuvieron siempre pendientes sobre ellos sus propios ideales bohemios y antiburgueses como el más vengativo y acechante super-yo de la historia de la psicología, los artistas Pop, en cambio, practicaron el doble registro con la inquietud moral que pueda sufrir una cinta magnetofónica grabada en sus dos bandas. Hicieron su aparición en escena dotados de una más alta síntesis de conducta personal: precipitarse en los lujos del gran mundo, le monde, y hozar en ellos con absoluto abandono era simplemente parte de la nueva bohemia. Sin más."

Tom Wolfe. La palabra pintada.

El mercader de arte Alfred Flechtheim

2009-12-07T20:50:00.002Z

AUTOR: Otto Dix

TÍTULO: El mercader de arte Alfred Flechtheim

TÉCNICA: Mixta sobre tabla

DIMENSIONES: 120 x 80 cm

FECHA: 1926

LOCALIZACIÓN: Neue Nationalgalerie, Berlín

Otto Dix retrató al mercader Alfred Flechtheim en 1926 de una manera soberbia, con trazos expresionistas y basándose en su concepto de nueva objetividad. Se trata de un personaje de gran carrera como coleccionista y lo deja reflejado al presentar en el retrato dos obras cubistas, probablemente de Juan Gris del que era gran admirador.
Dix tuvo una larga trayectoria como artista, tocando varios estilos hasta llegar al suyo propio. Es difícil catalogarlo dentro de un movimiento ya que su pensamiento y su forma de ver el mundo y el arte distan bastante de sus contemporáneos. Aún así, lo podemos conciliar con el movimiento de la verdad, o verismo, corriente seguida por bastantes alemanes en esta época; donde plasmaban la realidad social del momento. Lo tacharon de conservador, artísticamente hablando, debido a su empeño en pintar lo real y su desapego al arte que llevaba hacia la abstracción. Él no negaba este aspecto; se llamaba a sí mismo primitivo y popular.
“Necesito la vinculación con el mundo sensorial, el valor para la fealdad, la vida sin diluir...”
Con estas palabras describe de una manera clara su modo de ver el arte. Vivió de primera mano los horrores de la guerra y piensa que eso es lo que debe reflejar en su pintura; la realidad, el horror, la fealdad. Y eso hizo que se haya convertido en uno de los pintores más importantes de Alemania, a pesar de que en ocasiones su obra fuese expuesta como Arte degenerado, o se haya quemado buena parte de la misma.
Como retratista fue también muy prolífico. A pesar de que negaba la premisa de que los retratistas actuaban como psicólogos dejando ver lo mejor y lo peor de cada persona, realizó obras donde los personajes llegaban casi a verse como una caricatura de sí mismos. Su lema era “confía en tus ojos”, y es que sus ojos veían más allá de los rostros o la ropa. Con cada gesto exterior, representaba también el interior del retratado, que eran uno.
En este retrato vemos a un hombre envejecido y cansado, con los ojos mustios y un traje no demasiado elegante. Aquí vemos a través de los ojos de Dix, que desde luego, no debía gustar mucho de este marchante. Con un cuadro cubista en una mano y documentos en la otra, nos aclara no solo el papel de marchante del personaje, sino sus preferencias de estilo, dándole la espalda al arte alemán. También, con ese gesto y rasgos, vemos frialdad ante lo que le rodea, pasando a ser tan solo un comerciante que ya no se entusiasma con el buen hacer de los artistas.
Por lo tanto, aunque Otto Dix tache de palabrería barata las afirmaciones sobre el papel de los retratistas, él mismo actúa como un destripador del interior, de la verdad o de lo que él considera verdad. De hecho su arte es una continua visión subjetiva de la realidad, la manifestación de su yo artístico sobre los objetos o las personas que pinta.
Seguramente conocía más retratos de este mercader. En concreto el realizado doce años antes por Marcoussis, ya que, a pesar de ser de puro estilo cubista, la estructura y los elementos son muy parecidos, mostrando al personaje rodeado de sus adquisiciones. Sin embargo, son obras completamente distintas. La expresión y la forma son los pilares que afianzan este retrato, dejando a un lado cualquier tipo de adorno o abstracción.
Cada pincelada de Dix es un estudio minucioso de la forma. Un dejarse llevar por sus ojos. Un realismo subjetivo. Una expresión rotunda y personal. De ahí lo genial de su arte, y por lo tanto lo genial de esta obra.

Mujer con cesto - Juan Gris

2009-12-06T16:19:00.000Z

AUTOR: Juan Gris

TÍTULO: Mujer con cesto

TÉCNICA: Óleo sobre lienzo

DIMENSIONES: 92 x 73 cm

FECHA: 1927

LOCALIZACIÓN: Colección particular

Nos encontramos ante un cuadro con una escena costumbrista donde una mujer sujeta un cesto de mimbre, con hojas y fruta, delante de una pared con un espejo. Con esta descripción podríamos pensar que estamos ante una obra del siglo XIX, cuando escenas de este tipo primaban en todos los salones; pero esta pieza se compone de un fondo azul, roto por una superficie ovalada que degrada el color hacia el centro con un tono más oscuro. Delante, cuatro manchas de color geométricas perfectamente delineadas conforman la piel de una muchacha, con tres tonalidades carnosas, y su blusa blanca. Delinea la figura, un trazo simple, a modo de boceto o dibujo preeliminar, creando rugosidades en la zona textil. Las manchas de color no están en perfecta alineación con el trazo de la figura, quedando en algunos sitios el color fuera, y en otros, sensación de transparencia por la visión del fondo azul.

No se trata de una casualidad o un capricho del artista esta forma de trabajar. Juan Gris, el autor, llegó a este tipo de composición después de mucha reflexión y evolución dentro de su estilo. Se trata de su último cuadro, y desgraciadamente, no es su etapa de madurez ya que tuvo una muerte prematura con tan solo 40 años.

Juan Gris llegó a París y conoció a Pablo Picasso cuando empezaba a pintar “Las señoritas de Avignon”. Se adentró totalmente en el estilo y en la forma de hacer cubista, llegando a ser uno de los mayores exponentes. Hay autores que afirman que por su pureza, tanto estilística como de pensamiento, es el mayor ejemplo del movimiento.

Su capacidad analítica está presente tanto en su obra pictórica como en sus artículos sobre arte y pensamiento, ya que publicó en revistas de arte durante prácticamente toda su carrera. Tiene la concepción platónica de que la idea es anterior a la cosa, y partiendo de esa premisa, se inmiscuye en terrenos que otros como Braque y Picasso estaban explorando también; pero Gris lo hace de una manera particular:

«Trabajo con los elementos del espíritu, con la imaginación, intento concretar lo que es abstracto, voy de lo general a lo particular, lo que significa que parto de una abstracción para llegar a un hecho real. Mi arte es un arte de síntesis, un arte deductivo, como dice [Maurice] Raynal (…) Considero que el lado arquitectónico de la pintura es la matemática, el lado abstracto; quiero humanizarlo: Cézanne, de una botella hace un cilindro; yo parto del cilindro para crear un individuo de un tipo especial, de un cilindro hago una botella, una cierta botella» .

El cuadro a tratar no está en esta etapa de su carrera, donde las premisas cubistas son su línea de trabajo. En la década de los 20, cuando se enfrenta a la enfermedad que le lleva a la muerte, se desarrolla una nueva etapa. Es su época más exitosa, con numeras exposiciones individuales y un reconocimiento público notorio, pero él ya no vive en París y se aleja del bullicioso mundo artístico. Estilísticamente ha dado un paso más: deja a un lado las formas cubistas estrictas y se inmiscuye en lo que él llama “la vuelta al orden”. Seguramente debido a su enfermedad hay muchas naturalezas muertas, ventanas y paisajes. Se trata de un estilo más naturalista, de carácter sereno y tranquilo que deja su impronta en obras como El mantel azul, El libro rojo, o esta última obra Mujer con cesto, que es una de las más valoradas.

Vemos una clara reflexión y residuo cubista en la forma de componer la figura a través de manchas geométricas que conforman la materia de la figura; su piel y su ropa. También en la falta de ubicación dentro del espacio, ya que solamente hay una pequeña referencia, que es ese espejo de fondo. El cesto de mimbre y las formas rugosas de la ropa nos trasladan a este nuevo concepto del arte de Gris, donde se vuelve a vislumbrar lo matérico, así como el trazo simple pero realista de la figura femenina. Es un trazo frío pero justificado. Gris continúa con su empeño de síntesis en la obra. Es decir, expresar todo con nada.

Nunca sabremos hacia dónde iría la carrera de este artista irrepetible, pero su talento, visible en todas y cada una de sus obras, indica que se hubiese convertido en un artista de los más cotizados en vida. Pocos años después de su muerte, sus cuadros se consideraron como los mayores exponentes de la obra cubista del siglo XX.

Fuentes on line:
- http://mundoarte.portalmundos.com/juan-gris/
- http://www.fundacion.telefonica.com/at/cole/paginas/gris.html
- http://www.enriquecastanos.com/gris_juan.htm
- http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/arte_sXX/imagenes/gris_cesto.html
- http://es.wikipedia.org/wiki/Wiki

Encuentros de Pamplona 1972. Museo Nacional Centro de arte Reina Sofía

2009-12-06T12:40:00.000Z

La década de los 70 fueron una época convulsa en el mundo. Estamos en los últimos coletazos de la guerra de Viteman y en pleno apogeo del conflicto árabe-israelí. Concretamente en el año 1972, que es el que nos concierne, 11 atletas israelíes son asesinados por el grupo Septiembre negro en los Juegos Olímpicos de Munich. También Irlanda del Norte sufre una masacre importante, la del conocido como Domingo sangriento y poco tiempo después se produce un fuerte golpe de estado en Ecuador.
No todo son conflictos en el panorama internacional mundial en el año 1972; así que cabe destacar que a principios de año, Nixon, presidente de Estados Unidos, ordena el desarrollo del programa espacial de su país. A su vez, el mundo de las tecnologías está despegando a una velocidad muy buena y es precisamente en este año cuando Ken Thompson y Dennis M. Richie inventan un nuevo lenguaje de programación: el lenguaje C y se comercializa la primera consola de videojuegos.
España está todavía en régimen. Quiere alas pero todavía no las tiene. De todas formas hay una ligera apertura de mano del dictador en esa última época, debido a su enfermedad; Franco se estaba muriendo.
3.500 trabajadores de una fábrica de neumáticos van a la huelga y se produce el cierre de la misma. Al cabo de dos meses, dos trabajadores de astilleros son asesinados por la policía en una manifestación por las mejoras salariales. 1972 es el año en que “los saharauis elegirán su destino” y en el que se pone en funcionamiento la central nuclear Vandellós en Tarragona. Diario Madrid, de política aperturista, anuncia la venta de su propio patrimonio debido a los gastos de las acciones legales emprendidas por su repentino e injusto cierre.
A pesar de las dificultades en torno a la libertad que hay en ese momento, en este año en España se celebran eventos culturales importantes como el III festival de teatro en la villa de Madrid, el estreno de la película (mediometraje) de Mercero La cabina, y la reunión de artistas de vanguardia de talla nacional e internacional en los Encuentros de Pamplona.

En estos días del año 2009, el Museo nacional y centro de arte Reina Sofía conmemora los Encuentros de Pamplona con una gran exposición que ocupa gran parte de la tercera planta.
Si bien nosotros cuando asistimos a esta muestra no estamos en las calles de Pamplona, ni en las instalaciones creadas para el evento, ni podemos ver en directo las puestas en escena de artistas y músicos; sí alcanzamos a admirar con perspectiva la fuerza, empeño e ilusión que han puesto todos los participantes en esta iniciativa: los artistas, los comisarios, los financiadores e incluso los espectadores.
Se trata de una amplia exposición que de manera ordenada intenta mostrar con la mayor fiabilidad posible los hechos ocurridos en Pamplona en los días comprendidos entre el 26 de junio y el 3 de julio del año 1972. Para ello, el comisario José Díaz Cuyás, ha reunido fotografías que ilustran momentos concretos de numerosísimas acciones en la calle, de conciertos, de los espacios emblemáticos… ha aportado noticias de periódico, correspondencia entre organizadores y artistas, obras originales, videos de conciertos y audiciones de experimentos sonoros.
El acontecimiento en Pamplona fue una iniciativa totalmente privada. El grupo Huarte era en ese momento uno de los más poderosos grupos de empresas del país y su accionista principal, Félix Huarte quiso de esta manera homenajear y realzar su ciudad natal. Los organizadores fueron el grupo Alea , del que hoy en día apenas se habla. Se trata del primer laboratorio de música experimental en España. Más concretamente fueron Luis de Pablo y José Luís Alexanco que actuaron como mediadores y principales ideadores del proyecto. A estos dos grupos se le dedican las primeras salas expositivas antes de empezar con los encuentros propiamente. Es un pequeño preámbulo para meter al espectador en el contexto.

Estas jornadas de arte tuvieron como coordenadas básicas la vanguardia experimental por un lado y la tradición popular por otro. De esta manera, pudieron disfrutar de conciertos de música tradicional venida de oriente y de las obras que incorporaban nuevas tecnologías como el sonido electrónico a través de la luz eléctrica, por ejemplo, o también de poemas visuales tan innovadores en los 70.
La primera jornada fue, quizá por ser la primera e introductoria, diferente a las demás en programa. Las otras seis tenían un denominador común en la programación matutina, que eran las audiciones de cintas y proyección de diapositivas del arte de los últimos años; proyección en pantalla grande por circuito cerrado de televisión y audición de cintas de las obras plásticas y sonoras generadas por el ordenador. Todo esto seguido de un coloquio diario.
Si menciono esto aquí no es por enumerar sus actividades, sino por resaltar la importancia que le daban los organizadores a las nuevas tecnologías y sus derivaciones artísticas. No solo organizaron muestras con la misma temática diariamente, sino que pretendían hablar de ello en un coloquio diario y sacar las conclusiones oportunas. Esto a mi parecer, es vital para entender la dualidad de las jornadas y a su vez de la exposición que nos toca. Contraponen el arte más experimental y vanguardista del momento, como podían ser la artista performance Esther Ferrer, el rompedor músico John Cage (padrino del evento) o el videoartista Antoni Muntadas, con el más tradicional folklore tanto nacional como internacional. Organizaron conciertos de Txalaparta, también del orfeón pamplonés y su fin de fiesta fue un maravilloso espectáculo flamenco.

Pero ¿Consiguió el grupo Alea la total fusión de esta dualidad y la creación de un certamen cíclico de arte experimental en Pamplona? ¿Lograron el bienestar de artistas, público, políticos y el suyo propio? ¿Lograron crecer como artistas y sacar conclusiones de las nuevas tecnologías ligadas al arte experimental? Por lo que vemos en la exposición de Díaz Cuyás , no lo han conseguido.

En julio de 1997, el Reina Sofía organizó otra exposición recopilatoria de los Encuentros de Pamplona y a la inauguración asistieron algunos de los artistas que participaron. Las palabras de la mayoría eran optimistas y recordaban ese acontecimiento veinticinco años después con perspectiva. Fue un acontecimiento importantísimo y no podía ponerse en duda. Sin embargo, las palabras del organizador Luis de Pablo fueron bien distintas: “Para mí fue una experiencia negativa; fue muy mezquino y triste, con ataques de la extrema derecha y de la izquierda”.
Se trata pues de un ejemplo claro de una de las paradojas vitales más comunes: Puedes poner todos los medios, todo el empeño, el trabajo, la ilusión. Puedes llevarlo a cabo y que prácticamente todo salga según lo previsto; pero si algo sale mal y es un cimiento, un pilar, todo lo demás te parecerá inútil y te llevará a una desilusionada soledad.

En nuestra exposición, la del año 2009, nos perdemos entre las salas. Obras y fotos de obras se acumulan entre documentos, planos y escritos puntuales que demuestran la magnificencia del proyecto de entonces. En ese rotundo caos, vemos la intención clara de mostrar una nueva dualidad; la que se ve después de pasados treinta y siete años: lo genial, majestuoso y bien dispuesto de las jornadas y la problemática organizativa, los conflictos internos y la pesadumbre de las continuas críticas externas.
En la jornada del jueves 29, en la que aparecen dos videoproyecciones del catalán Muntadas, podemos leer en una vitrina tres hojas de correspondencia entre el artista y el grupo Alea. Ellos aceptaban sus presupuestos y le aclaraban que no habría absolutamente ningún problema de espacio para su obra. Agradecían su rápida respuesta y le aseguraban que todo iba muy bien y que el proyecto estaba tomando camino de “convertirse en algo grande”. Esta ilusión del joven grupo lo denotan sus palabras; no hay pegas para el artista, lo quieren allí y todo resultará perfecto.
De hecho, todo estaba resultando perfecto. Pamplona, toda la ciudad, estaba sumergida en una niebla artística. Los espacios eran más que suficientes, no había límites puesto que usaban también la calle. Llaman enormemente la atención las estructuras infladas semicirculares que montaron para crear espacios expositivos y de ocio. Se trata de las cúpulas neumáticas de José Miguel de Prada. Le dedicaron mucho tiempo y trabajo a estas efímeras arquitecturas ya que podemos admirar numerosos planos y fotografías en los distintos momentos de montaje. No se escatimó en gastos, ni en energía de trabajo. Todo estaba resultando bien. Las fotografías muestran un público involucrado, entregado, sonriente. ¿Qué falló?

Los organizadores hicieron un variadísimo programa de 6 días en los cuales, como comenté al principio, se repetían todos los días momentos para el coloquio-debate sobre las nuevas tecnologías y el avance del arte. Esta idea está presente en el momento ya que la exposición muestra numerosos recortes de prensa de época hablando de las tecnologías y de su incorporación en España. Estos debates, al parecer, no fueron demasiado abiertos. Se desviaban los temas hacia los intereses de una minoría y el resto no estaba de acuerdo. Comenzaron las críticas por la falta de comunicación y poco a poco se desencadenó un conflicto que derivó en acusaciones y lanzamiento continuo de críticas que venían de todas partes. De artistas, de comisarios, de políticos, de periodistas…
Hubo otros problemas que también generaron desconcierto e indignación y el comisario lo muestra con recortes de prensa, ya que todo saltó a los periódicos como la espuma: Dionisio Blanco fue censurado y tres artistas retiraron sus obras en solidaridad con él. Chillida, uno de los artistas más prometedores, retiró su obra alegando que ya había autores que expresaban sus ideas. Esto fue debido a una rivalidad personal con otro artista expuesto. Además, tanto grupos de izquierda como simpatizantes del régimen habían hablado en contra de las jornadas y para más INRI la banda terrorista ETA había leído un comunicado declarando su oposición.
Con este ambiente tenso lo que al final resultó en Pamplona fue una gran idea sumida en una amalgama de lucha y desconcierto. Ni artistas ni organizadores sabían qué estaba pasando ni qué hacer.

Las salas ordenadas cronológicamente muestran la obra de los artistas nacionales e internacionales que pasaron por Pamplona en el año 1972; muestran su desorden, muestran el desconcierto, muestran experiencias valiosísimas que se diluyen en un ambiente de caos general. Así es esta exposición. Densa, pesada, muy cansina… pero dejando ese regusto de calidad y emoción que no puedes dejar de ver y que te empuja a seguir indagando. El evento artístico más importante hecho en España y sin embargo del que menos se habla. Un trabajo organizativo de lo más elaborado que termina en decepción.

Fuentes en red:
http://www.abc.es/20091027/cultura-arte/pamplona-reina-sofia-200910271531.html
http://www.elpais.com/articulo/cultura/PABLO/_LUIS_DE_/COMPOSITOR/HUICI/_FERNANDO/MUSEO_REINA_SOFiA_/MADRID/Reina/Sofia/recuerda/arte/radical/Encuentros/Pamplona/elpepicul/19970716elpepicul_7/Tes/
http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/2009/encuentros-pamplona.html
http://www.elpais.com/articulo/portada/Lecturas/cubo/blanco/elpepuculbab/20091107elpbabpor_20/Tes
http://es.wikipedia.org/wiki/A%C3%B1os_1970

Las lágrimas de Eros, museo Thyssen

2009-12-06T01:17:00.000Z

"Y si nos mordemos el dolor es dulce, y si nos ahogamos en un breve y terrible absorber simultáneo del aliento, esa instantanea muerte, es bella."

Rayuela, capítulo 12, Julio Cortázar.

La culminación del placer sexual, era para Georges Bataille un éxtasis cercano al sufrimiento. Un dolor profundamente placentero. La petit mort.
Partiendo de esa premisa, su libro, Las lágrimas de Eros, aúna el sufrimiento, la culpa, el sacrificio religioso y la muerte con el placer sexual. Quizá por lo transgresor del tema esta obra se vio atacada por la censura y no se publicó hasta años más tarde de su creación. André Malraux, ministro de cultura en Francia en ese momento, no era un hombre especialmente religioso, tenía la idea de libertad muy enraizada y luchó de manera abierta por causas nobles durante toda su vida y trayectoria política. Podemos plantear como hipótesis una fuerte presión por parte de la iglesia ante temas para esta institución prohibidos. El caso, de todas maneras, es que el libro dio que hablar antes y después de su publicación, ya que se convirtió en un ensayo esencial para el pensamiento estético, haciendo partícipe al lector mediante la visión de una estupenda selección de imágenes eróticas de toda la historia del arte.

El museo Thyssen inauguró el 20 de octubre la exposición Las lágrimas de Eros, tomando el nombre del libro de Bataille para abordar justamente esa temática. La eterna fusión entre Eros y Tánatos, el placer y el dolor, el orgasmo y la muerte.
Mediante capítulos temáticos, nos presenta un recorrido de 119 obras muy diferentes en tiempo y estilo, que se aúnan de una manera armoniosa generando un todo sensual y atractivo.
Se trata de la primera gran exposición en España que aborda el placer sexual. Guillermo Solana, comisario, aclara que cuando estudió tocar este tema lo hizo pensando en abordar algo universal, que sí se vio en otros países y no aquí. Descarta el tema de la provocación o el poder mediático.
Lo cierto es que Las lágrimas de Eros llega en un momento de crisis tanto para el museo como para el comisario. La del museo se genera lógicamente por la crisis económica general. Subir el precio de entrada en las exposiciones temporales fue una de las primeras medidas tomadas para afrontarla. La crisis de Guillermo Solana es más bien profesional. “A diferencia de Venus, esta exposición no nace del semen de ningún dios, sino de un momento particularmente doloroso en mi vida. Me encontraba en el punto más bajo de mi trayectoria, porque algunos de mis proyectos no habían tenido el éxito que yo esperaba. Eso me indujo a reflexionar sobre el planteamiento de las exposiciones. Lo que he querido con ‘Lágrimas’ es llegar a todo el mundo”. Podemos sacar de estas palabras que lo que Solana buscaba en esta exposición era un fuerte impacto en el público.
Sumando estas dos crisis, es fácil llegar a la conclusión de lo que se pretende con esta exposición, es una medida de choque para frenar los malos resultados pasados. Empezando por la temática sexual, implícita ya en el título, que siempre mueve a las masas y pasando por un enfoque muy decoroso, evitando así las críticas de los más conservadores y atrayendo a un mayor número de espectadores. Además, se ha hecho una campaña mediática sin precedentes. Meses antes de la inauguración se hablaba de ella en tertulias culturales en radio y televisión, estaba anunciada en toda la prensa del país e incluso en la internacional y se elaboró merchandising especial. Se trata pues de un espectáculo que puede ser comparable a un concierto pop.
De todas formas, tanto comisario como museo no defienden esta teoría. Solana afirma que la crisis no afecta al Thyssen y que ha quedado demostrado con la exposición de Matisse que estuvo de junio a septiembre en las salas de muestra temporal del mismo museo. Se reafirma en la postura de que lo que pretende, debido al bajón en trabajos anteriores, es llegar al mayor número de gente posible sin hacer criba por temática o nivel cultural.

El recorrido a seguir en Las lágrimas de Eros es muy coherente y ordenado. Divide los espacios por bloques temáticos y añade cartelas explicativas con un cierto carácter poético, que enriquecen el contenido y aportan a la visita un toque literario interesante. Sin embargo, estas cartelas no profundizan demasiado en el tema en sí, dejando las ideas prendidas por hilos y las obras un tanto cojas.

Empieza con el Nacimiento de Venus, imprescindible en cualquier exposición que toque la sensualidad y el placer. Después, Eva y la serpiente, tema insinuante donde los haya, en donde la mujer se asocia con el pecado y la lascivia. Esfinges y sirenas, donde de nuevo la mujer es símbolo de seducción, esta vez mortal. En Tentaciones de San Antonio, tocan el tema del voyeurismo y las tentaciones carnales y en El martirio de San Sebastián y Andrómeda encadenada, aparece el tema del dolor y el bondage como placer. El beso, es el último argumento que se toca en el museo ya que la exposición continúa en un segundo edificio; en la casa de las Alhajas. Se aborda como visión vampírica y pasión violenta de los amantes. Se asemeja el beso a una especie de canibalismo.
Ya en el edificio de Caja Madrid o Casa de las Alhajas tenemos a Apolo y Jacinto, como muestra del amor homosexual terminado en tragedia; a Endimión dormido, donde vemos la belleza ideal paralizada en el tiempo; las Bellas suicidas, donde se recrea la belleza y la muerte; a María Magdalena sufriendo la muerte de Jesucristo aludiendo siempre al pecado y, por último, los cazadores de cabezas donde la pasión se mezcla con la venganza y el asesinato.

Todos estos mitos están recreados por piezas de diferentes estilos, épocas y categorías. En una misma sala podemos encontrar obras con varios siglos de distancia entre ellas; es por ello que vemos una totalidad global y deja la idea de repetición en la historia. La belleza de Venus a la orilla del mar, por ejemplo, la contemplamos de manera novedosa en el Thyssen a través de una fotografía de Rineke Dijkstra; se trata de una jovencita que emula los gestos de la diosa, tocándose el pelo y en actitud pudorosa. También en la sala de las esfinges vemos una rompedora fotografía de Robert Mapplethorpe donde aparece Patti Smith emulando la postura de una de estos monstruos. Es otro ejemplo de la temática tradicional en el arte contemporáneo que creo muy logrado en esta exposición ya que en todas las salas coexisten las diferentes épocas de la historia del arte.

El sexo es uno de los temas más repetidos a lo largo de los siglos y en Lágrimas de Eros vemos una parte; solo una muestra. Al centrarse en el paradigma de la muerte y el placer, han acotado el universo al que nos enfrentamos de una manera muy decorosa ya que focalizaron la muestra a mitos muy concretos. Ya antes comenté que en España es la primera vez que se realiza una gran exposición abordando este tema y que en otros países ya se había hecho. En la Barbican Art Gallery de Londres en el año 2008 se presentó la exposición Seduced: Art and Sex from Antiquity to Now .

“Seduced explora la representación del sexo en el arte desde los griegos hasta Warhol, un paseo entre 70 distintos artistas que provocan tanto a la mente como a los sentidos del espectador, invitándolo a un debate de bastante controversia, ¿Todo se puede aceptar como Arte?
Los impulsos sexuales es uno de los movimientos más importantes de la existencia del ser humano, en todas las sociedades se ha aludido al sexo de alguna manera, y digo de alguna manera porque la censura, sobre todo de la iglesia, obligó a cada cultura a adquirir distintos tipos de códigos aceptables para mostrar este tipo de imágenes. Cuando la consumación del amor, siempre vista como algo íntimo, se rompe y se muestra sin tabúes muchas sociedades han visto dañada su moral, es aquí donde esta exhibición muestra su lado más discutido y nos invita a considerar la pornografía como arte.”

En esta exposición la temática es más amplia y más explícita. Hay obras de la antigüedad con escenas claramente sexuales y piezas contemporáneas de índole sadomasoquista. Esta galería recibió numerosas críticas por arte de la sociedad puritana inglesa y se generó un debate abierto en todo el país. Esto es algo que tanto el museo Thyssen como el comisario Guillermo Solana quisieron evitar. A pesar de tocar un tema controvertido, lo han hecho de manera suave, con pundonor. En ruedas de prensa y apariciones públicas Solana afirmó que quería una exposición para todos los públicos y que cumpliese con el decoro del museo. Esto me hace volver al tema que toqué al inicio de la crítica donde decía que Lágrimas de Eros es un intento de recuperar pérdidas anteriores con una temática que atraiga al público y una enorme labor de marketing. En mi opinión, para abordar un tema tan recurrente como la sexualidad en el arte, no se debe navegar en medias tintas. Por eso, cuando en el Thyssen tocan el tema de Andrómeda encadenada me falta Araki Nobuyoshi. Esta es una de las salas más llamativas, con una increíble escultura de John de Andrea que parece que abrirá los ojos en cualquier momento. Tiene obras importantes de Dalí, Millais, Óscar Dominguez… Sin embargo, hay obras que entran en el contexto de la Andrómeda de manera forzada, como es la muñeca de Hans Bellmer, que intenta descubrir la mecánica del deseo y evoca a la emancipación femenina. Claro está que las ideas opuestas pueden entrar en el contexto del tema a tratar, pero vería mucho más lógica la incorporación de cualquier fotografía de Nobuyoshi, artista japonés que afirma que “fotografiar es asesinar”. Su obra está siempre evocando a la muerte y tiene numerosas series de mujeres desnudas sometidas a prácticas de bondage. Este fotógrafo crea polémica allí por donde pasa; lo tachan de misógino, de provocador, de obsceno… pero lo cierto es que, hoy por hoy, es uno de los fotógrafos vivos más importantes de Japón.
También se echa en falta en esta exposición fuentes literarias y filosóficas que ejemplificarían muy bien la temática que se expone. El libro que da título a la muestra es mencionado solamente como explicación introductoria, por lo tanto termina siendo algo anecdótico. Estaría bien añadir, por ejemplo, alguna obra plástica o simplemente un apunte con escenas de Justine; el libro del Marqués de Sade que muestra cómo la virtud y la belleza son aplastadas por el vicio.
Son solamente ideas, ejemplos de lo que podrían haber incluido y no han hecho, tal vez por decoro, tal vez evitando polémicas.

Se trata pues de una exposición estéticamente muy atractiva, con una selección de obras variada y pintoresca que genera un paseo muy agradable. A pesar de la falta de erudición, tangible desde la primera sala, el recorrido por los distintos mitos, los diferentes estilos y épocas deja un regusto agradable. La idea es entrar en el museo con expectativas de ver algo bello e interesante, sin más. Es una muestra convertida en espectáculo de masas intencionadamente y por tanto así lo debemos ver. En realidad, se trata de un éxito rotundo ya que la acogida fue y está siendo muy buena. Si con ella se consigue atraer a más gente al museo, y como consecuencia, parte de ese nuevo público se aficiona a ello, entonces habremos ganado. No estaría bien convertir esta tendencia en costumbre ya que los historiadores y demás gente del mundo del arte perderíamos mucho, pero abrir las puertas del museo a más gente con determinadas exhibiciones es algo atractivo e interesante.

Fuentes on line:
- http://www.publico.es/xalok/262054/dar/gente/cosas/impactantes
- http://www.publico.es/culturas/262065/museo/calienta
- http://e-madrid.org/index.php?option=com_content&view=article&id=633:len-epoca-de-crisis-no-podemos-cargar-al-estado-con-cosas-que-sean-un-lujo-para-cuatro-enteradosr&catid=109:entrevista&Itemid=196
- http://www.museothyssen.org/thyssen/exposiciones_actuales
-http://smfdiario.blogspot.com/2009/10/las-lagrimas-de-eros-y-otros-placeres.html
- http://es.wikipedia.org/wiki/Wikipedia:Portada
- http://www.picassomio.es/nobuyoshi-araki.html
http://www.eurielec.etsit.upm.es/~zenzei/index.php?numero=9&tipo=miscelanea&arch=Hans%20Bellmer
- http://www.radiomontaje.com.ar/fotografos/araki.htm